Художники греции. Картины с персонажами древнегреческой и римской мифологии. Архитектура Древней Греции

Развивалась на протяжении очень длинного временного отрезка, именно поэтому оно настолько интересно, необычно и многогранно. Вся древнегреческая культура делится на пять периодов: Ранняя Греция, Архаический, Классический и Эллинистический. Период Ранней Греции берет начало еще в третьем тысячелетии до нашей эры, а Эллинистический период завершается в первом веке

Древнегреческое искусство достойно изучения во всех своих проявлениях, однако особенно интересны живопись и музыка.

Живопись Древней Греции изучают, как правило, по сохранившимся до наших дней керамическим вазам. Ведь именно на них большинство ремесленников практиковались в живописи, рисуя красивые и весьма правдоподобные картины.

Изначально вазы расписывались наиболее простыми фигурами - геометрическими (ромбы, квадраты, треугольники, круги). Из них составлялись различные орнаменты. Со временем искусство Древней Греции совершенствовалось, художники вели себя все смелее, экспериментировали все больше и начали изображать на вазах не только абстрактные фигуры, но и людей, животных, пейзажи. И если сначала реальные фигуры изображались только вместе с геометрическими, то впоследствии первые окончательно вытеснили последние.

Еще позже люди и животные стали изображаться не просто так, а в действии. Наиболее частой темой для картины были мифы, фрагменты из которых греки и пытались запечатлеть на своих вазах.

Отдельно стоит сказать о двух цветовых стилях росписи: чернофигурном и краснофигурном. Чернофигурный стиль подразумевал изображение черных фигур на красном фоне и был первым. А краснофигурный, подразумевающий изображение красных фигур на черном фоне, пришел несколько позже.

В Классический период искусство Древней Греции включило в себя еще один вид живописи - монументальный (фрески и мозаика).

Кстати, греческие художники первыми в мире открыли два новшества в живописи: игру светотени на рисунке (это открытие принадлежит великолепному художнику Апполодору Афинскому) и подпись под своим рисунком (ее ставили самые лучшие художники под своими лучшими произведениями).

Не менее интересно и музыкальное искусство Древней Греции. Слово "музыка" происходит от греческого "муза" (покровительница искусств) и дословно переводится как "искусство муз". Следует отметить, что в понимании греков музыка являлась не самостоятельным искусством, а совокупностью трех других: непосредственно музыки, поэзии и танца. И, в свою очередь, - непременной составляющей других

Так, невообразимо было без хора, а трагедия вообще произошла от хвалебной песни Дионису (дифирамбы). Само слово "трагедия" переводится как "песнь козла" - люди, певшие дифирамбы, одевались в козлиные шкуры, чтобы подражать мистическим спутникам своего бога. Таким образом, музыкальное искусство античности является одним из самых значимых.

Но вернемся все-таки непосредственно к музыке. Сама по себе древнегреческая музыка представляла собой, как правило, одноголосый вокал. Объясняется это достаточно просто: ее определяла поэзия, можно сказать, что певец просто пел свои стихи, аккомпанируя себе на каком-либо музыкальном инструменте (флейте, лире, "флейте Пана", авлодии, кифародии).

В музыке имелось достаточное количество жанров. Это и гимны (песни богам и богиням), и народные песни. Среди последних выделялись крестьянские, свадебные и песни-плачи.

Существовали в древнегреческой культуре и хоровые песни - хотя и в меньшем, чем сольные, количестве. Среди них - элегии (изначально - жалобные песни, исполняемые под флейту, после - любые грустные или навевающие задумчивость и оды (хвалебные песни).

Крито-микенская культура в сочетании с дорийским геометрическим стилем послужила основой для возникновения и развития искусства Древней Греции.

Древнегреческая культура с ее демократичностью и гуманистическими идеалами формировалась в условиях борьбы народа - демоса - против аристократии. В большинстве греческих полисов утвердилось республиканское правление, лишь в Спарте и в нескольких других центрах к власти пришла аристократия, но и здесь одержала верх не монархия, а олигархическая республика. Особое мировоззрение греков, воспитанных в таких традициях, отразилось в искусстве. Объектом изображения художников и скульпторов стал свободный, сильный и смелый человек-гражданин.

В период с VII по VI в. до н. э., названный эпохой архаики, борьба народа за свои права еще не была завершена. В начале VI в. до н. э. внутреннее рабство (долговая кабала крестьян) в Греции было отменено. С этих пор рабами становились только пленные чужеземцы. Почти все слои населения Греции принимали активное участие в политических баталиях. Быстро развивались культура и искусство: философия, поэзия, архитектура, скульптура и живопись.

Как и крито-микенские мастера, художники эпохи архаики часто изображали сцены спортивных состязаний, игры с быком. Но их произведения не отличались динамикой и прихотливостью линий, свойственными эгейскому искусству, а тяготели к устойчивости форм, симметрии, точности в передаче человеческих пропорций.

Станковой живописи в эту пору еще не существовало, ее заменяли росписи на керамических сосудах. Художники изображали композиции, в которых переплетались бытовые, мифологические, батальные мотивы. На многих древнегреческих вазах можно видеть сцены пиров, сражений, спортивных соревнований. Нередко вазописцы использовали для своих творений мифологические сюжеты о боге виноделия Дионисе, о подвигах Геракла. На большом сосуде-кратере (применялся для смешивания вина с водой), названном археологами «вазой Франсуа», подробно изображена история легендарного героя Троянской войны Ахилла.

В течение двух веков стиль росписей на вазах менялся. В ранний архаический период (VII в. до н. э.) господствовал ориентализирующий стиль, который сформировался под влиянием искусства Древнего Египта и Сирии. Именно из этих стран пришли изображенные на архаических сосудах грифоны, крылатые львы и другие фантастические животные. Свободное пространство, не занятое фигурами чудовищ, заполнялось орнаментальными узорами в виде причудливых переплетающихся спиралей - исследователи называют подобную манеру «боязнью пустоты». Такие вазы, напоминающие яркий узорный ковер, создавались на островах Делос, Родос, Крит.

Постепенно ориентализирующий стиль был вытеснен чернофигурным, местом рождения которого была Аттика. Художники наносили на красновато-желтый фон сосудов из обожженной глины черные силуэты, покрывая их лаком. Секрет техники создания таких росписей до сих пор не разгадан. Существует легенда, что этот стиль случайно придумала девушка, обведя тень, которую отбрасывала на стену фигура ее любимого. Сохранились имена мастеров чернофигурных росписей, живших в VI в. до н. э., - это вазописец Эксекий и один из создателей «вазы Франсуа» Клитий.

Типичным примером чернофигурного стиля является амфора, расписанная Эксекием на сюжет из «Илиады». Древнегреческий мастер изобразил Ахилла и Аякса, играющих в кости. Мифологический мотив у него приобретает значение бытовой сцены: герои, отдыхающие от ратных подвигов, увлечены обычной настольной игрой.

С течением времени бытовая тематика в работах древнегреческих художников начинает занимать главное место. В результате этого изменяется и художественный язык, становясь более реалистичным. Так возникает краснофигурный стиль, главное отличие которого от чернофигурного в том, что черным становится фон, а фигуры - красными. Они теряют свои силуэтные качества и становятся более пластичными и выразительными.

Одним из самых значительных мастеров краснофигурного стиля был живший в конце VI в. до н. э. вазописец Евфроний, несколько творений которого хранится в Эрмитаже. Замечательна созданная им ок. 500 г. до н. э. ваза с удивительно поэтичным изображением мужчины, юноши и мальчика, любующихся летящей ласточкой.

Хотя росписи греческой архаики уравновешенны и упорядоченны, в них отразилось светлое и радостное мироощущение их создателей.

Греческая классика

Классическое искусство Древней Греции основывалось на традициях греческой архаики, поэтому в произведениях мастеров нового периода, наряду с их реалистичной убедительностью и живой непосредственностью, заметны черты рациональности и упорядоченности.

В середине V в. до н. э. Греция достигла своего наивысшего расцвета в области экономики и политики. Большую роль сыграла блестящая победа объединенных греческих городов, возглавляемых Афинами, над сильной и могущественной Персией. Несмотря на то что войска персов во много раз превосходили по количеству армию противника, Греции удалось разгромить врага в решающей Марафонской битве, а позднее - в морском сражении под Саламином.

Главным культурным центром в ту эпоху также являлись Афины. Общественное устройство этого города-государства было демократичным: избирательным правом пользовалось все его мужское население (за исключением рабов - чужеземцев-военнопленных). Каждый свободный гражданин мог быть избран на любую, даже самую высокую, государственную должность. Женщины и рабы, среди которых встречались люди образованные (врачи и педагоги), не имели гражданских прав.

Многие жители Афин были ремесленниками и, имея собственные мастерские, получали также жалованье от государства, работая в качестве живописцев, скульпторов, ткачей, каменщиков, чеканщиков, золотых дел мастеров, кожевенников, шахтеров и др. Трудились не только рабы, но и все свободные граждане Греции, не считая это унизительным (в отличие от римлян). Особым уважением пользовались представители художественных профессий.

Искусство Греции в V в. до н. э. достигло вершины своего расцвета. Всем известны имена великих драматургов - Софокла, Эсхила, Еврипида и Аристофана. Создавали свои творения греческие скульпторы, среди которых были знаменитые Мирон, Фидий, Скопас, Лисипп, Поликлет и Пракситель.

Процветала живопись, но, к сожалению, ее памятников сохранилось очень мало, хотя нам известно, что греки ценили и почитали своих художников, в числе которых были Аполлодор, Зевксис, Полигнот, Паррасий, Апеллес и др. Известно, что Полигнот делал росписи на стенах общественных зданий. Его фрески представляли эпизоды из греческих мифов и легенд. Аполлодор и Зевксис занимались станковой живописью. Созданные ими картины украшали жилища горожан или хранились в специальных помещениях - пинакотеках. Современники восхищались способностью живописцев реалистично и убедительно писать с натуры и тонко передавать душевное состояние моделей. Уже в те далекие времена художники умели мастерски применять светотеневые эффекты, использовать иллюзорность, добиваясь абсолютного сходства с предметом изображения. Античные источники рассказывают, что Зевксис настолько достоверно написал виноградную кисть, что птицы пытались клевать ее.

Однажды Паррасий разыграл Зевксиса: последний пытался отдернуть занавеску, изображенную на картине Паррасия.

Объектом живописи, как и скульптуры, был человек, а иногда его верный спутник - конь. Греческие художники еще не научились передавать индивидуальные черты характера человека, но умели изобразить душевные переживания, представляя в своих произведениях обобщенные человеческие типы. До нас дошли описания картины Тимомаха «Медея», в которых говорится об искусстве живописца, сумевшего убедительно показать, как в душе его героини чувство любви и жалости к детям борется с ревностью и гневом.

Стремясь к достоверности в изображении натуры, художники классической эпохи в то же время старались отразить в своих произведениях возвышенную красоту. Дошедшие до нас источники рассказывают, что один живописец, работавший над образом Елены Прекрасной, пригласил в качестве моделей пять красивых девушек, т. к. каждая из них в отдельности не была для него совершенной.

Дошедшие до нас образцы греческой классической живописи представлены в основном на вазах. Если в эпоху архаики вазописцы стремились к тому, чтобы роспись соответствовала форме сосуда, то в последующий период мастера меньше заботились об этом, нередко перенося на вазы композиции, созданные известными художниками.

Возвышение Македонии в конце IV в. до н. э. стало началом разложения греческой демократии. Все свободные государства Греции перешли под управление македонского царя Филиппа II. В 336 г. до н. э. царем стал его сын, Александр. Разгромив в 334 г. до н. э. персов, он продолжил победоносное шествие на восток, завоевывая все новые и новые города. За 10 лет Александр Македонский создал огромную монархию, которой не было равных в мире. После его смерти держава распалась на отдельные государства. Правителями в них стали военачальники Александра - диадохи (преемники). С этого момента началась эпоха эллинизма. Данному периоду было свойственно соединение греческой и восточной культур. Эллинистическое искусство существовало в государствах диадохов, образованных в Египте, Сирии и Малой Азии.

Век высшего расцвета скульптуры в период классики был и веком расцвета греческой живописи. Именно к этому времени относится замечательное живописное новшество, утраченное впоследствии и как бы заново открытое, возрожденное лишь в эпоху великих итальянских мастеров -- эпоху Возрождения: искусство светотени. Первым включил в свою палитру полутона Аполлодор Афинский, за что получил прозвище Тенеписец. Введение светотени имело для развития реалистической живописи огромное значение.

Во времена "Илиады" и "Одиссеи" вазопись примитивна - преобладал геометрический орнамент. В 7-6 вв. до н.э. на вазах пишутся сцены из легенд и мифов, особой популярностью пользовались подвиги Геракла, Троянская война. Появляется техника чернофигурной росписи (закрашенные черным лаком фигуры резко выделялись на красном фоне глины, ил.51).

В 530-525 гг. до н.э. появляется новый способ росписи ваз - краснофигурный (фигуры оставляются в цвете глины, а фон покрывается черным лаком, ил.52). Эта техника раскрыла новые возможности рисунка. Художники стали изображать одежду в мелких складках, узоры каймы, тонкие пряди волос и мелкие локоны.

Кроме Апполодора Тенеписца известны и другие живописцы: Зевкеис, Паррасий, Тиманф. Их творчество отмечено эмоциональностью, реализмом. Однако монументальная живопись не получила такого масштабного развития, как вазопись.

Керамические изделия покрывались орнаментальными и сюжетными росписями. С течением времени менялся и стиль росписей. Ранняя керамика отмечена так называемым чернофигурным стилем -- черные изображения на красном фоне. Позже появился краснофигурный, или черно-лаковый, стиль, когда черным лаком покрывался фон между росписями, которые на этом фоне контурно выступали, сохраняя тон основного материала -- обожженной красной глины. Рисунок на вазах носил графический, плоскостной характер. Наиболее распространенными формами ваз были: амфора (для хранения вина и масла) -- изящный сосуд с округлой емкостью, высокой горловиной и двумя ручками; кратер (в нем к столу подавалось вино) -- сосуд с емкостью в форме перевернутого колокола и двумя ручками в нижней его части; килик -- сосуд для питья вина в виде плоской чаши на высокой ножке; гидрия (для хранения воды) -- высокий сосуд с тремя ручками. Античные вазы помимо своих художественных и утилитарных функций со временем приобрели еще одно значение -- историко-документальное, так как изображения на них расширяют и уточняют наши представления о греческом искусстве, интерьерах, быте, костюмах людей той эпохи, об особенностях мифологического видения мира. В архитектуре и в произведениях прикладного искусства Древней Греции видное место занимает орнамент. Как и все греческое искусство, он эволюционировал. Первоначально в нем преобладали мотивы восточного происхождения (сфинксы, грифоны), но в классический период они вытесняются сюжетами, взятыми из жизни окружающей, природы или геометрическими. Греки обнаруживали исключительное чувство меры и изобретательность в прорисовке различных декоративных элементов и деталей, применяя их в разнообразных вариациях, сочетаниях и ритмах, используя стилизацию. Постоянно меняя соотношения между ними, они добивались неповторимости произведений искусства.

Литературные источники подтверждают, что 4 в. до н.э. является ярким расцветом живописи. Художники создают станковые картины разных жанров: натюрморты, баталии, портреты, исторические картины. В 4 же веке в Сикионе появляется академия живописи со своими правилами преподавания, твердой теорией живописи с использованием перспективы. Другая школа возникла в Фивах, где создавались патриотические картины. К сожалению, картины мастеров, творивших в это время не дошли до нас.

В эпоху эллинизма в Александрии и в Пергаме возникает искусство реалистической живописи, которое получило свое развитие в портрете, пейзаже, карикатуре.

Древнегреческая скульптура, воспевающая духовную и физическую красоту человека свободного, стала эталоном для ваятелей и художников эпохи Возрождения и культуры классицизма. Музейные залы с античной скульптурой пользуются неизменным успехом у посетителей, восхищающихся совершенством древнегреческого искусства.

Монументальная живопись Древней Греции

Сохранилось лишь весьма небольшое количество подлинников живописи VII-IV вв. до н. э.. Дополнительными источниками для исследований являются описания древних авторов: Плиния, Павсания, Плутарха, а также римские копии с несохранившихся греческих оригиналов.

Греческая монументальная живопись в течение VII-IV вв. до н. э. развивается от «раскрашенного рисунка» к живописи со светотенью, объемом, передачей пространства.

Характерной чертой греческой стенной живописи является ее подчинение архитектуре, стремление передать в росписи структуру стены дома. Эта черта проявляется и в строгом, определенно обусловленном распределении поясов, или зон, орнаментов и фризов на расписных стенах в эпоху архаики, и в структурном стиле живописи домов Делоса и Приены III и II вв. до н. э., и в архитектурных стилях стенной росписи восточного Средиземноморья и Италии I в. н. э., и в инкрустационном стиле II и III вв. Это тектоническое начало стенной живописи не умирает в античности никогда. Даже фигурная живопись эпохи архаики VI в. до н. э. и монументальная роспись великих мастеров V в. до н. э. Микона и Полигнота всецело находилась в рамках тектонической разделки стены. Широкие многофигурные фризы всегда имеют свое строго определенное место, они немыслимы на другом месте стены. Также немыслимо и отсутствие определенных орнаментов на определенных частях стены, скатах или сводах потолка. И к тем фронтонам, которые неминуемо образуются на узких стенах погребальных камер при двускатном потолке в эпоху архаики, и к люнеткам, которые образуются при сводчатом потолке в эпоху эллинизма II и I в. до н. э., приурочены фигурные композиции и растительные мотивы, которые не могут быть перемещены.

Главными центрами греческой монументальной живописи VII в. до н. э. считались Коринф и Сикион. Так, стены целлы храма в Олимпии были расписаны по существующим сведениям коринфскими мастерами Клеанфом и Аригоном, обращавшимся в основном к мифологическим сюжетам. Клеанф создал композицию на тему рождения Афины и разрушения Трои. Аригон создал роспись, посвященную Артемиде. Судя по этим данным, античные мастера уже в ранний период архаики стремились к созданию больших изобразительных циклов. Но о самом характере этих изображений мы, к сожалению, не имеем понятия.

Первыми дошедшими до нас образцами монументальной архаической живописи VII в. до н. э. являются метопы - плоские керамические плиты, расписанные живописцами.

Метопы (греч., ед. ч. metуpe), прямоугольные плиты, которые, чередуясь с триглифами, образуют фриз дорического ордера. Метопы иногда украшались рельефами, реже живописью. Первоначально (до развития каменной архитектуры) в Древней Греции метопами называли прямоугольные промежутки между выходящими на фасад здания торцами балок перекрытия.

Для архаической живописи характерна плоскостность решения, графичность контура, декоративная, локальная раскраска, выявляющая силуэт или позже объем тела на плоскости, и почти полное отсутствие интереса к передаче окружающей среды.

Таковы расписные метопы храма Аполлона в Фермосе (конец VII в. до н. э.). Их напряженная выразительность и простота композиции показывают, что древний живописец уже учитывал требования монументальной, воспринимаемой с относительно значительного расстояния росписи.

При ограниченном количестве красок мастер все же стремился к впечатлению большей цветности, чем вазописцы. черный контур фигуры был нанесен на желтовато-розовый фон, фигура написана розовато-коричневым цветом, а при изображении одежды применены пурпурная, белая и черная краски.

Наряду с произведениями монументальной живописи, непосредственно включенными в архитектуру, мастера VII в. н. э. и особенно VI в. до н. э. создавали небольшие произведения на керамических досках-табличках, так называемых пинаках. Пинаки обычно имели вотивный характер, то есть были посвящены божествам и приносились в дар храму.Стилистически пинаки сравнительно мало отличались от расписанных метоп.

Особого расцвета специфические качества архаической живописи достигают в 6 в. до н. э. Наряду с Коринфом выдвигаются такие центры, как Афины, Милет и Самос. Мастера живописи на пинаках начинают стремиться к сочетанию декоративности цветового решения с большей конкретностью в передаче событий, начинают создавать относительно сложные многофигурные композиции. От этого времени до нас дошли и росписи, выполненные на дереве, то есть в технике, избавлявшей мастера от необходимости учитывать огнестойкость красок. Такое изменение имело не только техническое, но и художественное значение. Оно несколько расширяло палитру и давало свободу в использовании цвета. Такова написанная клеевыми красками на деревянной доске сцена жертвоприношения (около 540-530 гг. до н. э.).

С
покойно сдержанный ритм движущихся фигур шествия, относительно реалистичная передача отдельных мотивов (мальчик, ведущий овцу на заклание, фигуры музыкантов) - характерные черты этой композиции.Живописное решение «картины» отличает мягкая декоративная звучность в сочетании синего (пеплосы) и красно-коричневого (гиматии). Характерно применение контурной обводки черной и красной линиями (руки и лица женщин). Красиво выделяются золотисто-коричневые цвета предметов, несомых участниками процессии, - венок, флейты, лира, лекиф. В натуре эти предметы разноцветны и разнообразны по своему материалу. Художник же ограничивается тем, что противопоставляет их более дифференцированной цветовой жизни фигур, что соответствует стремлению подчеркнуть подчиненное положение предметных атрибутов и окружающей среды по отношению к образу человека. Кроме того, художник учитывал фактор восприятия росписи: зритель рассматривал композицию по движению фигур слева направо, оценивал определенное ритмическое чередование цветосочетаний, их продуманную гармонию, цветовое построение, имеющее свое особое развитие, свою внутреннюю музыкальность и поэтичность.

Заметное место в этот период занимает живопись малоазийской Греции. Согласно сведениям древних, малоазийские мастера начинают создавать наряду с произведениями на мифологические темы и росписи, передающие (вероятно, в героизированно-обобщенной форме) исторические события. Известно, что в картине, заказанной Мандроклом, строителем моста через Босфорский пролив, была изображена переправа через Босфор персидского войска. Более типичны для греческой культуры 6 в. до н. э. такие росписи (тоже известные только по отзывам древних авторов), как созданная художником Калифоном Самосским композиция «Битва греков с троянцами у кораблей», украшавшая храм Артемиды в Эфесе.

Судить о стилевых приемах, применявшихся в такого рода композициях мастерами ионийской и малоазийской Греции, можно по росписям некоторых терракотовых саркофагов второй половины 6 в. до н. э. из Родоса и Клазомен. Обычно на этих саркофагах по кремовому фону наносились темные силуэты фигур, дополнительно подцвеченные белой краской. Наиболее интересны те саркофаги, где наряду с декоративными фризами на внутренней стороне крышек помещались композиции повествовательного характера (например, состязание колесниц, сцены битв и т. д.). Такова роспись саркофага, хранящегося в Британском музее, изображающая битву греков с варварами. Мастер стремится к созданию исполненной динамики композиции, построенной на чередовании групп сражающихся.

В течение второй половины VI в. до н. э. в Греции живопись стремится ко все большему изяществу и благородной гармонии цвета. В палитре живописцев этого времени применялись желтая, белая, черная, коричневая, синяя, красная и зеленая краски, цвет сохранял свой локальный характер. Моделировка формы светотенью, видимо, не применялась. Проблема передачи освещения и изображения окружающей пейзажной или бытовой среды, как правило, не стояла перед живописцами и во второй половине VI в. до н. э. Изображение, однако, к концу века освобождалось от подчеркнуто плоскостного характера. Благодаря моделировке мускулатуры черными линиями внутри силуэта формы тела начинали приобретать большую пластическую объемность. Можно говорить и о первых попытках передать также общее физическое и духовное состояние образа героя.

Представление о развитии живописи во второй половине 6 в. до н. э. в Аттике дает пинака, посвященная, как гласит надпись, «прекрасному Мегаклу».

Мастер сочетает лаконически-декоративную трактовку силуэта с острожизненной передачей движения. Точно найденный контраст динамики гибкого тела и устойчивости геометрической формы щита показывает, что живописец уже овладевает передачей эстетически возвышенной красоты человека и умеет ее акцентировать. Очень выразительна цветовая гамма: в своем сдержанном лаконизме она носит скорее монументальный, чем узорчато-декоративный характер. Черный контур фигуры, коричневый тон тела с прописанной черными линиями мускулатурой несколько напоминают приемы краснофигурной вазописи. Черная одежда, белый щит и пурпурный гребень шлема создают сдержанный цветовой аккорд.

В V в. до н. э. зарождается понимание сюжетной ситуации в живописи, мастера монументальной живописи стремятся передать не только внешний телесный облик, но и устойчивое, внутреннее духовно-нравственное состояние своих героев. Живописцы овладели реалистическим изображением человека, взаимосвязи групп людей.

Господствующей техникой монументальной живописи V в. до н. э. была фреска, со второй половины века вошли в употребление клеевые, а также восковые краски (так называемая энкаустика).

Энкаустика - техника писания картин горячими, растопленными до жидкого состояния восковыми красками. При энкаустическом способе живописи высохшие и затвердевшие краски достигают большой красочной интенсивности и сохраняются в течение столетий. Крупнейшие греческие живописцы - Аполлодор, Павсий, Паррасий - создавали монументальные энкаустические стенные картины. Одним из больших преимуществ энкаустики было то, что она давала возможность применять все цвета краски, включая тончайшие нюансы, и очень драгоценные красящие вещества, добытые из растений и раковин, а не только устойчивые в отношении извести краски, как это имеет место во фреске. При энкаустике достигается такая интенсивность и такое горение краски, как ни в каком другом роде живописи. Сохранились только энкаустические станковые портреты, написанные на деревянных досках в Египте в эллинистическо-римскую эпоху. Это так называемые фаюмские портреты (найденные в Фаюме), их клали с покойником в саркофаг. Стенная энкаустическая живопись греков, пользовавшаяся таким громадным успехом и в греческом и в римском мире, не дошла до нас. Энкаустика была дороже фрески, но достигала больших красочных эффектов.

Народы античного мира первоначально не делали разницы между росписью домов живых людей и росписью домов мертвых - склепов. И там и тут то же членение стены, те же краски, те же орнаменты, те же принципы декоровки. Это особенно отчетливо проявлялось в стенной росписи склепов и домов в V-II вв. до н. э. В это время редки и необязательны в склепах образы загробного культа и изображения хтонических божеств. Декоративные принципы довлеют и определяют характер росписи. Только в конце эпохи эллинизма и в склепах, относящихся к нашей эре, вводятся на фоне чисто декоративной росписи сюжеты и образы погребального культа, загробной жизни, подземных богов, богов психопомпов - водителей душ умерших.

Почти единственный и относительно лучший по качеству подлинник живописи V в. до н. э. - роспись фресковой техникой саркофага «Гробницы ныряльщика». Она посвящена изображению пиршества-симпосия (возможно тризны).

На двух длинных стенках мастер разместил по пяти участников симпосия, возлежащих на пиршественных ложах.
Одна из торцовых стенок украшена изображением музыкантов и танцующего участника пира, на другой стенке представлен виночерпий у кратера. На внутренней стороне каменной крышки гроба написана фигура распластанного в полете ныряльщика, ринувшегося в морскую пучину. Отсюда общее название находки - «Гробница ныряльщика».

Мастерское композиционное решение, тонкое владение ритмом и цветом, конечно, в пределах характерного для ранней классики пластического восприятия мира показывают, что эти фрески были созданы художником, стоящим на достаточно высоком уровне культуры своего времени.

В двух противостоящих и уравновешивающих друг друга группах пирующих воплощены два почти равносущественных аспекта симпосия. Ведь само празднество - приятие вина, часто ритуально мотивированное, было неразрывно связано и с экстазом отдачи себя миру музыки, пения, танца. Противостоящие друг другу начала -
вакхическое и мусическое - здесь связаны в единую гармонию одновременного служения Дионису и Аполлону. Поэтому если слева (относительно зрителя, видящего перед собой плиту с танцующими) пирующие радостно протягивают вперед и вверх килики с вином, играя в коттаб, мечут в честь богов или возлюбленных капли недопитого вина, приникают устами к чаше, то на противоположной стене пирующие изображены предающимися радостям музыки.

На внутренней стороне крышки саркофага «Гробницы ныряльщика» изображен юноша, ныряющий с некоего возвышения в море, обозначенное странно вспухшей зеленовато-голубой массой. Возможно, что оно определялось распространенным в конце VI в. до н. э. мистическим учением о душе человека, посмертно погружающейся в мировой океан. Возможно, это связано с ритуальными мотивами очищения.

В
росписи были использованы белый, коричневато-вишневый, более светлый красновато-терракотовый, голубой, розовый и черный цвета. Мастер гробницы отказывается от условного черного силуэта и обращается к более близкому природе человеческого тела красноватому тону. Несмотря на относительную локальность и простоту палитры, художник очень тонко использует различные оттенки одного и того же цвета,

Все большее значение приобретают те атрибуты, те предметы, которые конкретизируют общий тип, общий характер действия человека: пиршественные ложа, чаши, музыкальные инструменты в сценах пиршества у мастера росписи «Гробницы ныряльщика». Это уже элементы конкретной предметной, бытовой и природной среды. Они показаны в той мере, в какой являются частью пластического действия человека, причем сами они выступают как пластически обозримые предметы.

Во второй четверти и в середине V в. до н. э. величайшим мастером живописи почитался уроженец острова Тасоса Полигнот - мастер больших настенных многофигурных композиций, отличающихся благородной сдержанностью и торжественным величием целого. Согласно литературным источникам, в частности Аристотелю, Полигнот «изображал людей лучшими», в то время как другие позднейшие мастера делали их «худшими или похожими на нас». Большим достижением Полигнота явилось то, что он передавал состояние души не только через общую пластику движения, но и прибегал наряду с жестом к зачаткам передачи мимики. Древние ссылались на то, что он движением бровей придавал лицу живость. Так же, как мастера пластики того времени, он трактовал драпировки одежды, как эхо жизни тела, выразительно сопоставляя ритмы жизни нагого тела с живописной игрой драпировок. Полигнот также прибегал к обозначению места действия: так, он обозначал берега реки. Новым было стремление Полигнота видоизменить формы композиционного построения многофигурных сцен. От фризообразного расположения фигур в одной плоскости он переходит к их свободному расположению по всей поверхности стены, однако, видимо, сохраняя при этом единый масштаб для всех фигур.

Как и живописцы предшествующего времени, Полигнот обладал очень ограниченной палитрой. Считалось, что он в основном обходился четырьмя красками: черной, белой, желтой и красной. Эти ссылки, однако, нельзя принимать слишком буквально. Маловероятно, чтобы палитра мастера зрелой классики при всей его тяге к монументальной ясности была бы беднее, чем палитра художника VI в. до н. э. Кроме того, сохранились сведения, что на одной из своих картин тело демона Полигнот закрасил тоном средним между синим и черным, в том же духе он пытался раскрасить утопленника в зеленовато-синий цвет. Всё же в целом живописи Полигнота были, вероятно, присущи монументальная декоративность и локальность цвета. Характерно, что Полигнот, как и мастера вазописи, вводил в фреску надписи с именами участников действия, стремясь тем самым конкретизировать изображения.

Наибольшей славой среди работ Полигнота пользовались его грандиозные композиции в Дельфах, изображающие взятие Трои и подземное царство. Каждая композиция, заполняющая поле в 9 х 4 м, включала от 70 до 90 фигур и, судя по всему, представляла собой сочетание ряда отдельных, композиционно самостоятельных эпизодов. Так, на картине «Разрушенный Илион» в центре и наверху были изображены греческие вожди, осуждающие Аянта за оскорбление богини Афины, внизу и по бокам - убитые воины, плачущие пленницы и так далее. В этой же фреске находилась сцена, показывающая Неоптолема, убивающего троянцев. Особая группа была посвящена Елене и Андромахе. И наконец, там же были представлены морской берег и часть корабля Менелая, готового к отплытию, а также часть крепостной стены с видневшейся из-за нее головой деревянного коня, при помощи которого греки обманно проникли в Трою. На другой стороне картины был изображен дом Антенора, который был пощажен греками.

В 460-х гг. до н. э. Полигнот совместно с мастером Миконом создали росписи, посвященные Тесею. Полигнот изобразил участие Тесея в борьбе лапифов с кентаврами, а Микон - посещение Тесеем морского царства. Несколько позже Полигнот, Микон и Панен украсили стою в Пропилеях, получившую название «Пойкиле» («расписная»), рядом картин как на мифологические темы («Взятие Трои» и «Амазономахия»), так и на исторические темы («Битва при Марафоне» и «Битва при Иное»).

Некоторое представление о живописной манере конца V в. до н. э. может дать прекрасная серия живописных фризов на досках из кургана Куль-Оба (Керчь). Один из фризов изображает похищение дочерей Левкиппа, другой - борьбу аримаспов с грифонами, третий фриз посвящен декоративному изображению животных. Принципальное значение имеет то, что на фризе в группе скачущих коней один из них частично закрывает другого. Это пример более реального изображения группы в живописи второй половины V в. до н. э. по сравнению с началом века. Также очень показательна передача теней на некоторых из фризов. Это важный шаг к ощущению среды, освещения, ранее неведомый живописи. Возможно, что уже Микон владел этим приемом.

С именем Аполлодора связывают открытие светотени (вероятно, света и тени, или некоего сфумато). Аполлодор также почитается первым живописцем, применившим полутона.

К концу V в. до н. э. живопись вплотную подошла к сознательному развитию своих изобразительных и выразительных возможностей.

Тиманф в картине «Жертвоприношение Ифигении» стремился согласно сюжету передать разные градации состояния скорби участников события

Художники сикионской школы разрабатывали вслед за Поликлетом пропорциональную основу построения идеально прекрасной человеческой фигуры.

Концом 5 в. до н. э. датируют самая ранняя греческая мозаика с рисунком, найденную в Коринфе (Баня кентавров).

Отделка полов галькой была распространена в Греции в 8–6 вв. до н. э., это было просто мощение без орнаментики, сохранились галечные полы в святилище Артемиды в Спарте и храме Афины в Дельфах.

На мозаичном панно из Коринфа изображено колесо, обрамленное тремя рядами бордюров: из треугольников, меандра и волны – орнаментальных мотивов, ставших своего рода графическими символами греческой культуры. В углах квадрата, в который вписаны изображения – фигуры кентавра, гонящегося за леопардом, и осла.

Фигуры изображены на панно контурно в профиль, без каких-либо попыток придания им объемности, в два цвета (белое на черном).

Греческие мозаики V в. до н. э. сохранились также в Олинфе, на Пелопоннесе, в Аттике, Эвбее

В частных интерьерах напольная мозаика встречается с IV в. до н. э..Хотя изображения еще схематичны, с этого времени начинают использовать цветную гальку. Концом IV- III в. до н. э. датируют «Мозаику со сциллой» (Дом Диониса, Пафос)

Среди изобразительных мотивов используются стилизованные растительные изображения пальметты, листьев аканта, завитков плюща, цветов лотоса, трубы ангела, изображения льва, грифона, гепарда, орла, человеческие фигуры. В IV в. до н. э. по-прежнему широкое распространение имела монументальная живопись. Шедевры этой живописи, столь красноречиво восхваляемые древними, не дошли до нашего времени.

Крупнейшим мастером середины IV в. до н. э. был Никий. Некоторое представление о его манере может дать одна из настенных росписей в Помпеях, хотя и весьма неточно воспроизводящая известную картину Никия «Персей и Андромеда».

Фигуры на фреске позднего копииста носят, как и в V в. до н. э., статуарный характер, однако их движения переданы свободнее, ракурсы - смелее. Правда, пейзажная среда намечена еще весьма скупо. Новыми по сравнению со зрелой классикой являются мягкая светотеневая моделировка формы и более богатая цветовая гамма.

Эволюция античной живописи к большей живописной свободе изображения наиболее полно воплотилась, по свидетельству древних, в творчестве Апеллеса. Его «Афродита Анадиомена» была написана для храма Асклепия на острове Кос. Современников поражали не только мастерское изображение влажного нагого тела и прозрачной воды, но и сияющий негой и любовью взор Афродиты. Видимо, художника занимала передача душевного состояния человека.

Н
и одна из работ Апеллеса не дошла до нас в сколько-нибудь достоверных копиях. Однако сохранившиеся описания этих композиций производили большое впечатление на художников эпохи Возрождения. Так, известная картина Боттичелли «Аллегория клеветы» была вдохновлена литературно изящным и подробным описанием Апеллесовой картины на эту же тему. Если верить описаниям Лукиана, Апеллес большое внимание уделял реалистической передаче движений и мимики действующих лиц. И все же общая композиция, возможно, носила несколько условный характер. Персонажи, воплощающие определенные отвлеченные идеи и представления, как бы один за другим проходили на фризообразно развернутой композиции перед глазами зрителя.

В
последней трети IV в. до н. э. монументальная батальная живопись начинает сочетать приподнятую патетичность композиции с большей конкретностью деталей. До нас дошла большая мозаичная реплика, выполненная, видимо, хорошим эллинистическим мастером с картины Филоксена «Битва Александра Македонского с Дарием».

В этой работе в отличие от героико-мифологической трактовки исторической темы, присущей искусству V в. до н. э., явно видно стремление мастера к более реально-конкретной передаче общего характера сражения.

Мастер умело воплотил драматизм ситуации: испуг Дария, стремительный порыв Александра, предводительствующего конницей. Умело передана и стихия битвы, движение людских масс, выразительный ритм колеблющихся копий, что по сравнению с V в. до н. э. определяло новую черту в развитии греческого искусства.

Расцвет монументальной живописи в IV веке способствовал широкому распространению красочных многофигурных мозаик, которыми украшают полы и стены; мозаика стала одним из основных способов создания дворцовой атмосферы в убранстве дома, ее наличие в интерьере говорило не просто о богатстве его хозяина, в чем не было ничего удивительного, но об его принадлежности к миру высокой греческой культуры

В мозаиках, украшавших полы жилых домов и общественных зданий в Делосе, Приене, Херсонесе, дворцов в Пелле мозаичисты обращались к бытовым сценкам из жизни и мифологическим образам, а также сюжетам, почерпнутым из современных им комедий или романов. В мозаиках находили выражение разные тенденции: свободная, живописная манера трактовки сюжета или подчеркнуто гармонизированная, тяготевшая к классической продуманности композиции и сдержанности в передаче любимых эллинизмом драматических сцен.

О
собый интерес представляют напольные мозаики, найденные при раскопках Пеллы – родного города Александра, столицы македонского царства.(340–300 гг. до н. э.).

Э
то мозаики т. н. «Дома Диониса» («Дионис», «Охота на льва»),

и «Дома похищения Елены» («Охота на оленя» и «Похищение Елены» (сохр. фрагмент)).

Н
а мозаике изображающей сцену охоты на оленя выложена надпись: «γνῶσις ἐποίεσεν» («Гносис сделал») - первый в истории мозаики автограф автора.

Это новый уровень мозаичного искусства, которого не знали ни мастера классической Греции и долго ещё не достигнут мастера эпохи эллинизма. Здесь впервые появляется реалистичность: пространство и объём, свободно используется цвет. В технике - тщательнейший отбор камешков не только по размеру, но и по форме, для лучшей детализации применяются новые материалы - полоски глины и свинца.

Объясняют это тем, что мастер Гносис ориентировался в своем искусстве на современную ему реалистическую живопись, тогда как другие, как ранние, так и поздние мастера ориентировали мозаику скорее на краснофигурную вазопись с её преимущественно двуцветной колористикой и плоскостной графикой.

Мозаики Пеллы - вершина искусства галечной мозаики и хотя галька ещё будет применяться в 3-2 вв. до н. э., она изживает себя как материал для художественных работ.

В последней четверти IV-I вв. до н. э (период эллинизма) происходит изменение античного мировосприятия, меняется художественный язык пластики.

Главные особенности эллинистического искусства - преобладание декоративной функции и формальных качеств образа над содержательной стороной, противоречия содержания и формы, напряжение, эмоциональный порыв, смешение эллинских и восточных традиций, отсутствие гармонии и меры в отношении к человеку, простоты и ясности - всего, что составило славу греческой классики.

В Древней Греции люди чрезвычайно ценили красоту. Особенно греки предпочитали скульптуру. Однако очень многие шедевры великих скульпторов погибли и не дошли до нашего времени. Например, Дискобол скульптора Мирона, Дорифор Поликлета, «Афродита Книдская» Праксителя, Лаокоон скульптора Агесандра. Все эти скульптуры погибли, и тем не менее... мы их прекрасно знаем. Как же могли сохраниться исчезнувшие скульптуры? Только благодаря многочисленным копиям, которые находились в домах богатых древних коллекционеров и украшали внутренние дворики, галереи и залы греков и римлян.

Дорифор - «Копьеносец» на многие столетия стал образцом мужской красоты. А «Афродита Книдская» - одна из самых известных обнаженных женских скульптур Древней Греции - стала образцом красоты женской . Чтобы полюбоваться Афродитой, древние греки приезжали из других городов и, увидев, как она прекрасна, заказывали безвестным скульпторам сделать точно такую же копию, чтобы поставить Афродиту на городской площади или же во внутреннем дворике своего богатого жилища.

Дискобол - утраченная бронзовая статуя атлета, который собирается бросить диск , создан был Мироном около V века до н. э. - это первая в искусстве Греции попытка изваять человека в движении, и попытка более чем удачная. Молодой атлет застыл на долю секунды, а в следующее мгновение он начнет раскручиваться, чтобы изо всех сил швырнуть диск.

Лаокоон - скульптурная группа страдающих людей, которая показана в мучительной борьбе. Лаокоон - это был жрец, который предупреждал жителей города Трои - троянцев - о том, что город может быть сражен благодаря деревянному коню. За это бог морей Посейдон послал из моря двух змей, и они задушили Лаокоона и его сыновей. Статуя была найдена относительно недавно, в XVII веке. А великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело говорил, что Лаокоон - это лучшая статуя в мире. Если бы в древности не было любителей и собирателей образцов прекрасной скульптуры, современное человечество не знало бы и этого шедевра.

До нас дошли также многочисленные римские и греческие гермы - головы и бюсты людей на подставках. Искусство создания герм берёт своё начало в создании ритуальных столбов поклонения Гермесу, на верхней подставке которых располагалась лепная голова божества торговли, науки и путешествий. По имени Гермеса и столбы стали называться гермами. Такие столбы располагались на перекрёстках дорог, у въезда в город или посёлок или у входа в дом. Считалось, что такое изображение отпугивает злые силы и недобрых духов.

Примерно с IV века до нашей эры гермами стали называть все портретные изображения людей, они стали частью внутренней обстановки дома, а богатые и знатные греки и римляне обзаводились целыми портретными галереями, создавая своего рода выставки семейных герм. Благодаря этой моде и традиции мы знаем, как выглядели многие древние философы, полководцы, императоры, жившие тысячелетия назад.

Древнегреческая живопись до нас практически не дошла , однако сохранившиеся образцы доказывают, что эллинское искуство достигло высот как реалистической, так и символической живописи. Трагедия засыпанного пеплом Везувия города Помпеи сохранила до нынешнего времени блестящие картины, которыми были покрыты все стены общественных и жилых помещений, в том числе и дома в бедных кварталах. Настенные фрески посвящались самым разным сюжетам, в живописном мастерстве художники античности достигли совершенства, и лишь спустя века этот путь повторили мастера Ренессанса.

Историки свидетельствуют, что в Древней Греции при Афинском храме была пристройка, которую называли Пинакотека, и там хранились древнегреческие картины. Древнее предание гласит, как появилась первая картина. Одна греческая девушка очень не хотела расставаться со своим возлюбленным, который должен был идти на войну. Во время их ночного свидания была полная луна. На белой стене появилась тень юноши. Девушка взяла кусочек угля и обвела его тень. Это свидание оказалось последним. Юноша погиб. Но осталась на стене его тень, и эта теневая картина ещё долго хранилась в одном из храмов города Коринфа.

Многие картины древних греков создавались по принципу заполнения силуэта - сначала на картине рисовался контур фигуры, почти так же, как сказано в легенде, и лишь потом контур начинали раскрашивать. Красок поначалу у древних греков было всего четыре - белая, черная, красная и желтая. Они основывались на цветных минералах и замешивались на яичном желтке или на растопленном воске, разводились водой. Дальние фигуры на картине могли быть больше передних, древние греки использовали как прямую, так и обратную перспективу. Картины писались на досках или на сырой штукатурке.

Изобразительное искусство проникло и в прикладные области. Разрисованные греческие сосуды, амфоры и вазы хранятся во многих музеях мира и доносят до нас красоту повседневности, свойственную античным цивилизациям.

Особым античным искусством, донесшим до нас всю красоту древней живописи, является мозаика - колоссальные картины, выложенные из кусочков цветных камней и, в поздние периоды, стекла, создавались по живописным эскизам и оказались своего рода вечным искусством. Мозаиками украшали полы, стены, фасады домов, они играли и эстетическую, и практическую роль в создании гармоничной и красивой среды обитания.

Эпоха античности стала расцветом искусства создания красоты и гармонии в любых проявлениях. Упадок и забытие античной культуры привели к возврату человечества к философиям негативизма и торжества нелепых предрассудков. Утрата эстетики любования прекрасным, отрицание природной красоты человеческого тела, разрушение античных храмов и произведений искусства стали наиболее заметным следствием крушения античного мира. Понадобились века, чтобы идеалы античности вернулись и начали творчески переосмысливаться художниками Ренессанса, а затем и мастерами Нового времени.

Тематические материалы: